Развитие музыкальности студентов-хореографов с помощью балетмейстерской деятельности

Если музыка слилась со всем тем, что происходило в танце, в одно целое, тогда можно сказать словами Ж. Ж. Новерра: «Танец подобен музыке, а танцовщик – музыкантам. Искусство танца не богаче основными движениями, чем музыка нотами» [1, с. 253].

Синкретичность танцевального искусства подразумевает развитие чувства ритма, умения слышать и понимать музыку, согласовывать с ней свои движения, одновременно развивать и тренировать мышечную силу корпуса ног, пластику рук, грацию, выразительность и изобразительность. Для студентов-хореографов развитие музыкальности является одним из важных моментов в процессе получения профессионального образования.

Уметь двигаться – не достаточно для танца. Необходимо понимать и уметь анализировать музыку: слышать звуки, ритмические рисунки, отличать основу композиции от фона, распознавать мелодии, паузы. Без этих знаний невозможно научиться танцевать и далее обучить других. Умение разбираться в музыке – это не врожденный талант, этому можно обучиться.

Основными методами музыкального воспитания студентов – хореографов принято считать:

• Прослушивание музыки;
• Изучение музыковедения (исторические и теоретические музыкальные знания);
• Обучение игре на музыкальном инструменте.

На развитие музыкальности у студента – хореографа влияют не только занятия танцем, но и процесс создания хореографического произведения, где одним из важнейших выразительных средств является музыка. В процессе обучения студенты-хореографы должны обучиться:

• Специально подбирать музыкальный материал и грамотно работать с ним;
• Использовать этот музыкальный материал и отражать его средствами пластики с привлечением в качестве сюжета, например произведения изобразительного искусства или художественной литературы.

Именно в процессе постановки хореографического номера студент-хореограф контактирует с музыкой более самостоятельно, с индивидуальным подходом.

Создавая сценический танец и работая над музыкальным материалом для него, студентам-хореографам необходимо обратить внимание на то, что:

• Нельзя довольствоваться повторением одной или двух музыкальных фраз, в то время как в танце исполняются все новые и новые рисунки и движения;
• Недопустимо в танце одной фольклорной зоны использовать мелодии других фольклорных зон;
• Дробление движения в пределах одного музыкального такта придает этому движению окраску, которая называется синкопой;
• Танцевальное движение народного танца в основном укладывается в один музыкальный такт двух- или трехдольного размера, но когда используется комбинирование движений в танце, тогда занимается не один такт, а более, иногда – целые предложения;
• Точная передача ритма музыки ритмом тела (унисон) может быть с успехом использована, но не должна превращаться в правило, а только давать возможность использовать и другие варианты. Принцип точной передачи ритма – это ограничение, как в драматургической, так и в ритмической выразительности. А всякое ограничение ведет к однообразию;
• Однообразия в музыкальном и танцевальном ритмах необходимо избегать, ибо это приводит к примитиву. А вот когда на фоне однообразного музыкального ритма пройтись в такт, потом синкопой, потом рассыпаться горохом и т. д., а музыкальную паузу украсить движением плеча, руки, корпуса, тогда однообразие музыки даже подчеркнет все новые танцевальные движения.

Хореографическое произведение может быть создано на музыку, которую сочиняет композитор по заданию балетмейстера, а может на готовое музыкальное произведение, которое записано на фонограмму или исполненное ансамблем (оркестром).

Что касается работы балетмейстера с композитором, то в последние годы это становится все проблематичнее, а уж в любительском коллективе, для которого готовятся студенты-хореографы в институтах искусств и культуры, практически невозможно. Вот поэтому особое внимание в обучении будущего балетмейстера уделяется умению работать с готовым музыкальным материалом, который записан на фонограмму или исполнен чаще всего музыкальным ансамблем (оркестром). Разумеется, фонограмма обязывает балетмейстера точно подчиняться темпу, ритму, акцентам и особенностям музыкального произведения и никаких изменений не может быть. Музыкальное оформление хореографической постановки под «живой» оркестр подразумевает другие особенности. Возможны изменения музыкального материала, в соответствии с замыслом создателя хореографического произведения, где неоценимую помощь оказывает руководитель ансамбля (оркестра). Для этого балетмейстер должен быть музыкально образованным человеком и находится в тесном творческом союзе музыкальными руководителями. Познается это с первого курса по предмету «Мастерство хореографа» или «Композиция и постановка танца».

При отборе музыки, прежде всего, нужно решить, окажется ли она доступна и увлекательна для исполнителей хореографического произведения, будет ли развивать их творческую фантазию. Студенты-хореографы должны понимать физиологические, возрастные и психологические возможности исполнителей и относительно этого выбирать музыкальное сопровождение для постановочной работы.

Балетмейстер учит исполнителей разбираться в драматургии музыки, ее формах и выразительных средствах. Ведь любое музыкальное произведение воспринимается каждым человеком по-своему, создавая при этом свой определенный хореографический образ. Но вместе с тем у большинства характер музыки, ее эмоциональность, внутренний ритм в основном воспринимается одинаково и создается единый музыкально-пластический образ.

При создании хореографической постановки в характере народного или русского сценического танца студенты-хореографы должны подойти к этому вопросу щепетильно и аккуратно. Музыка для народной постановки не должна быть случайной или абстрактной, придуманной. Она должна быть только той, которая характеризует тот или иной край, область, район или село, откуда взяты этнографический материал и фольклорный танец для создания сценического варианта.

Музыка в сюжетном танце играет весьма значительную роль и в характеристике места и времени действия. В этом случае музыка становится как бы принадлежностью, атрибутом события, бытовой или исторической обстановки, она позволяет создать определенный колорит той или иной эпохи, характеризовать отдельные группы людей. Сущность таких музыкальных номеров в том, что все они становятся составной, а иногда и неотъемлемой частью того или иного события, или ситуации. Для русских великосветских балов характерны полонез, мазурка, вальс; для сельской вечеринки – частушки, для свадьбы – веселая народная песня или пляска и т. д. Если в музыке проявляется национальный характер (в интонациях, ритмах, тембрах) тогда она становится одним из необходимых элементов достоверности происходящего на сцене. Поэтому студентам-хореографам необходимо изучать историю развития музыкального искусства.

Музыка может достаточно четко указать на время действия и помочь воссоздать эпоху. Одна из функций музыки – создание определенной атмосферы действия. В этом случае качество самой музыка – ее эмоциональность, глубина, яркость; выразительность, тембральная окраска – играют основную роль. Одна из наиболее ярких функций музыки – ее участие в конфликте. Музыка, обостряющая противоречия, а тем более непосредственно участвующая в конфликте, становится самостоятельным фактором. Музыка может заставить зрителя почувствовать напряженную атмосферу, глубину переживания героя, может раскрыть внутренний мир героя.

Музыка – непосредственный участник номера, она вызывает боль, возмущение в сердцах зрителей. Музыку дополняют шумы – вой ветра, удары грома, и в самой музыке слышны «свист» и «завывание» духовых инструментов. Музыка способна дать представление о действии за сценой, с которым соприкасаются герои. Звучащая за сценой музыка может «нарисовать» выжженную пустыню, ледяное безмолвие тундры, безбрежное море и проч.

Музыка должна быть контрастной. Использование контрастирующей музыки - наиболее острый и сильный прием, музыка в этом качестве способна показать саму сущность происходящего на сцене. Музыка придает эмоциональную окраску персонажам на сцене.

При постановке современного танца студенты-хореографы должны придерживаться знаниям стилей современного искусства. Уметь отличать музыкальный материал, не внося эклектику в танцевальный номер. В настоящее время хореографы должны быть готовы использовать не только материал в виде музыки, но и звуковые треки, стихотворения, природные шумы, и прочее. Ритмически сложные, но современные, мотивы. Или, наоборот, не ритмичные – шум моря, звук дождя.

Также перед хореографами-балетмейстерами стоит задача соединения народной и современной лексики при выборе стилизованной музыки или в стиле фолк, нео-фолк. В данном случаи необходимы знания и народной и современной хореографии и музыки, необходимы не банальные музыкальные расклады, ритмы, акценты.

Занятия постановочной работой способствуют развитию у хореографов умения активно слушать и понимать музыку, углубляют их музыкальный опыт и знания. Это, в свою очередь, является ключевым фактором для их музыкального развития и обогащения. Через эти формы деятельности студенты постигают структуру музыкального языка, учатся осознанно воспринимать и исполнять музыку, а также осваивают основы нотной грамоты. В результате расширяется их общий кругозор, что позволяет существенно улучшить исполнительские навыки в танце и развить музыкальные способности.

Бережное, внимательное и требовательное отношение к музыке обязательно даст хорошие результаты в обучении хореографов.