Актуальность исследования
Актуальность исследования обусловлена значением света как одного из основных средств художественной выразительности в фотографии. Развитие фототехники, светочувствительных материалов и искусственных источников освещения постепенно расширило возможности фотографа и изменило принципы построения студийного изображения.
В XX веке сформировались устойчивые профессиональные приемы работы со светом, однако со временем освещение стало использоваться не только для получения технически качественного изображения, но и для создания индивидуального художественного языка. Особый интерес представляет сравнение российской и западной фотографических традиций, в которых общие технические принципы сочетались с различными художественными и культурными задачами.
Актуальность темы определяется необходимостью проследить переход от нормативных схем студийного освещения к авторскому использованию света как средству формирования индивидуального стиля фотографа.
Цель исследования
Целью данного исследования является выявление основных этапов трансформации световых канонов в российской и западной студийной фотографии и определение роли освещения в переходе от нормативных профессиональных схем к индивидуальному художественному стилю фотографа.
Материалы и методы исследования
Материалами исследования послужили произведения российской и зарубежной фотографии XX – начала XXI века, профессиональные публикации по вопросам студийного освещения, музейные и выставочные материалы, а также сведения об авторских методах Ричарда Аведона, Роберта Мэпплторпа, Паоло Роверси, Алексея Титаренко и других фотографов.
В работе использованы сравнительно-исторический, описательный и сравнительный методы, а также анализ художественных и технических особенностей организации света в фотографическом изображении.
Результаты исследования
В первой половине XX века студийное освещение постепенно превратилось в систему профессиональных приемов, которые можно было изучать, описывать и воспроизводить на практике. Речь шла не об официально закрепленных нормах, а о формировании устойчивых профессиональных принципов работы со светом. Показателен выпуск американского журнала The Photo-Miniature за сентябрь 1910 года, посвященный теме портретного освещения. Уже в начале XX века свет рассматривался как самостоятельная профессиональная задача фотографа [12].
В 1930-е годы систематизация методов студийного освещения стала еще более последовательной. В 1935 году американский фотограф Уильям Мортенсен издал книгу Pictorial Lighting («Живописное освещение»), посвященную применению света в фотографии. В тот же период выходили специализированные руководства Герберта Ламберта по студийному портретному освещению. Это свидетельствует о том, что к концу 1930-х годов работа со студийным светом уже являлась самостоятельной областью профессиональной подготовки фотографа [8].
Профессиональные публикации этого периода показывают, что фотографы стремились не просто увеличить освещенность объекта, а научиться управлять направлением света, глубиной теней и распределением яркости в кадре. В статье Джона Мили «Управление светом в фотографии», опубликованной в 1938 году, рассматривались фронтальное и боковое освещение, применение дополнительных источников, отражателей и оптических приспособлений. Такие средства позволяли изменять направление светового потока, интенсивность освещения и степень моделировки формы [7].
Понятие профессионально выстроенного света связывалось прежде всего с предсказуемостью и управляемостью результата. Фотограф должен был учитывать положение модели относительно источника света, направление светового потока, выраженность теней и степень объемности лица. В профессиональной печати начала XX века неоднократно обсуждалось, как изменение положения модели относительно источника освещения влияет на характер портрета. Избыточный верхний свет, слишком глубокие тени или недостаточная моделировка лица рассматривались как недостатки портретной съемки [9].
Технические изменения также способствовали закреплению студийных световых приемов. Наряду с естественным освещением все шире применялись электрические лампы и специальные источники света, предназначенные для фотосъемки. Развитие такого оборудования позволяло фотографу в меньшей степени зависеть от естественного света и точнее контролировать условия съемки.
В советской и западной фотографии первой половины XX века использовались сходные технические принципы работы со светом: регулирование его направления, интенсивности, контраста и характера теней. Однако художественные и общественные задачи студийного портрета заметно различались (таблица 1).
Таблица 1
Сравнительная характеристика особенностей студийного света в западной и советской фотографии первой половины XX века
| Критерий | Западная фотография | Советская фотография |
| Основные области применения | Журнальный портрет, мода, кино | Официальный портрет, печать, авангардная фотография |
| Характерные авторы | Эдвард Стайхен, Джордж Херрелл | Моисей Наппельбаум, Александр Родченко |
| Основная роль света | Создание выразительного и привлекательного публичного образа | Моделирование образа человека и художественный эксперимент |
| Культурная среда | Журналы, мода, Голливуд | Государственная печать, культурные учреждения, авангард |
| Основные задачи | Формирование образа знаменитости, демонстрация моды | Репрезентация общественных деятелей, поиск нового визуального языка |
Источник: разработка автора.
Во второй половине XX века техническая база фотографии существенно расширилась. Национальный музей науки и медиа Великобритании связывает послевоенный период с широким распространением 35-миллиметровых зеркальных камер, моментальной фотографии Polaroid и ростом популярности цветной фотографии в 1960-е годы. Одновременно совершенствовались средства искусственного освещения. В результате фотограф получил значительно больше возможностей выбирать условия съемки и характер изображения, не ограничиваясь одной устойчивой моделью студийного освещения.
Одним из показательных примеров изменения отношения к студийному свету стало творчество Ричарда Аведона. С 1969 года он начал работать с крупноформатной камерой Deardorff 8 × 10 дюймов. Для его зрелого портретного метода характерны белый бесшовный фон и рассеянное освещение практически без выраженных теней. Музей Метрополитен отмечает, что фотограф сознательно отказывался от эффектного освещения, реквизита и сложного окружения, сосредоточивая внимание на лице, взгляде, одежде и жестах человека. Таким образом, нейтральный характер света сам становился устойчивой особенностью авторского метода [10].
Особенно последовательно этот прием был реализован в цикле Аведона In the American West. С 1979 по 1984 год фотограф провел 752 съемки и экспонировал около 17 000 листов пленки. Персонажи снимались на однородном белом фоне, исключающем пространственный контекст. В данном случае единообразное освещение использовалось не ради соблюдения традиционной портретной схемы, а как часть индивидуального художественного решения, позволяющего сосредоточить внимание на внешности и состоянии человека (рисунок 1).
Рис. 1. Экспозиция фотографий Ричарда Аведона из цикла «Американский Запад» [5]
Другая модель авторской работы со студийным светом сформировалась в творчестве Роберта Мэпплторпа. После получения среднеформатной камеры Hasselblad в 1972 году он активно занимался портретом и экспериментировал как со студийной съемкой, так и со съемкой вне студии. В его студийной практике свет был связан с точностью формы и пластической выразительностью человеческого тела; музейные исследователи отдельно отмечают техническую сложность освещения его работ [11].
В отечественной фотографии изменение художественных ориентиров отчетливо проявилось в 1970-е годы. В каталоге выставки Contemporary Photographic Art from Moscow, изданном в 1997 году, отмечается появление в Москве направления, представители которого стремились уйти от документального характера фотожурналистики к заранее подготовленным художественным композициям и субъективному изображению. В неофициальной фотографии использовались монтаж, автопортрет, гротеск и другие приемы построения авторского образа. Это свидетельствует о переходе от представления о фотографии преимущественно как о способе объективной фиксации к пониманию ее как самостоятельного художественного высказывания [6].
В советской практике этому процессу способствовало и развитие фотоклубного движения. По материалам РОСФОТО, профессиональная подготовка фотографов в СССР была ограниченной, поэтому значительную роль в обмене опытом играли фотоклубы, общественные курсы и факультеты фотокорреспондентов. Такая среда становилась одним из пространств самостоятельного освоения фотографии и поиска собственных способов построения изображения [3].
На рубеже XX-XXI веков изменение подходов к студийному освещению проявилось в расширении художественной свободы фотографа. Классические принципы постановки света продолжали использоваться как профессиональная основа, однако характер освещения все чаще определялся не универсальной схемой, а замыслом автора. Распространение цифровой фотографии и компьютерной обработки дополнительно расширило возможности работы со светом, контрастом и тональностью изображения. Основные направления этого перехода представлены в таблице 2.
Таблица 2
Основные направления перехода от нормативных схем освещения к авторскому свету на рубеже XX-XXI веков
| Критерий | Нормативный подход к студийному свету | Авторский подход к свету |
| Принцип организации освещения | Использование устойчивых профессиональных приемов и схем | Выбор освещения в соответствии с индивидуальным художественным замыслом |
| Основная задача | Получение технически выверенного изображения и контролируемой светотеневой моделировки | Создание выразительного образа и формирование индивидуальной художественной манеры |
| Работа с тенью | Контроль глубины и расположения теней в соответствии с принятой схемой | Свободное использование глубоких теней, мягкого или практически бестеневого освещения |
| Контраст | Регулируется для сохранения необходимой читаемости формы | Может сознательно усиливаться или уменьшаться в зависимости от замысла фотографа |
| Фон и пространство | Выстраиваются в соответствии с задачами студийной съемки | Могут становиться частью авторского приема или предельно нейтрализоваться |
| Роль технических средств | Средства обеспечения требуемого качества и повторяемости результата | Инструменты реализации индивидуального визуального решения |
| Цифровые технологии | Не являются основой традиционной аналоговой схемы съемки | Расширяют возможности последующей работы с тональностью, контрастом и цветом |
| Характерный пример | Использование установленной системы основного, заполняющего и дополнительного света | Рассеянное практически бестеневое освещение Ричарда Аведона; тщательно контролируемое пластическое освещение Роберта Мэпплторпа |
| Значение света в фотографии | Прежде всего средство технического и композиционного построения изображения | Одна из составляющих узнаваемого авторского языка |
Источник: разработка автора.
В современной фотографии свет становится важной частью индивидуального художественного языка. Фотограф самостоятельно определяет характер освещения, степень контраста, соотношение света и тени, исходя из замысла съемки. Выставка MoMA A World of Its Own: Photographic Practices in the Studio показала разнообразие студийных подходов – от нейтрального фона до сложных постановочных решений [4].
В западной фотографии показателен метод Паоло Роверси, для которого характерны студийная съемка, крупноформатный Polaroid и особая работа с атмосферой кадра. Эти приемы стали частью его узнаваемого стиля (рисунок 2).
Рис. 2. Паоло Роверси. Эмма Уотсон. Проект «В поисках Джульетты», Календарь Pirelli 2020 [2]
В российской фотографии индивидуальный подход к свету прослеживается в творчестве Алексея Титаренко. В серии «Город теней» он использовал длительную экспозицию, превращая движение людей в размытый поток и передавая собственное восприятие городской среды (рисунок 3).
Рис. 3. Алексей Титаренко. Станция метро «Василеостровская». Из серии «Город теней». Санкт-Петербург, 1991-1992 годы [1]
К началу XXI века понятие «правильного света» перестало означать обязательное следование единой схеме освещения. Профессиональные знания сохраняют значение, однако выбор света определяется прежде всего художественной задачей. Студия становится не только пространством контролируемой съемки, но и местом эксперимента с формой, тенью, цветом и композицией.
Профессиональная работа со светом представляет собой не следование единственному нормативному образцу, а осознанный выбор выразительных средств. Мягкий или жесткий свет, глубокая тень, длительная экспозиция и цифровая обработка могут использоваться как полноценные художественные приемы, если они соответствуют авторскому замыслу.
Выводы
Таким образом, развитие студийного света происходило от устойчивой системы профессиональных приемов к более свободному и индивидуализированному использованию освещения. В первой половине XX века основное значение имели управляемость света, точность светотеневой моделировки и воспроизводимость результата, тогда как во второй половине столетия усилилась роль художественного замысла и авторской интерпретации. На рубеже XX-XXI веков классические принципы освещения сохранили значение профессиональной основы, однако перестали рассматриваться как единственно допустимый способ построения изображения. В современной фотографии мягкий и жесткий свет, глубокая тень, длительная экспозиция и цифровая обработка могут выступать самостоятельными средствами художественной выразительности. Тем самым понятие «правильного света» трансформируется из нормативной технической категории в систему осознанных художественных решений, связанных с индивидуальным визуальным языком фотографа.
.png&w=640&q=75)
