Главная
АИ #47 (177)
Статьи журнала АИ #47 (177)
Анализ живописи и скульптуры Византии в период античности

Анализ живописи и скульптуры Византии в период античности

Рубрика

Культурология, искусствоведение, дизайн

Ключевые слова

изобразительное искусство
живопись
скульптура
символизм
христианство

Аннотация статьи

Данная тема посвящена анализу живописи и скульптуры Византии в период античности. В работе рассматриваются особенности изобразительного искусства Средних веков, а также их причины формирования. В ходе изучения данной темы также проводится подробный анализ некоторых предметы живописи и скульптуры того времени.

Текст статьи

Византийское искусство имеет длительную историю, начиная со времен античности и продолжая до позднего Средневековья: 395 – 1453 годы. Однако, для анализа живописи Византии в период античности мы фокусируемся на периоде с IV века до VII века, так как именно это время принято считать первым рассветом искусства.

Византийское искусство сильно зависело от греческого и римского наследия, но его основу составили христианские темы и мотивы. В 382 году, благодаря императору Константину, христианство стало официальной религией во всей Римской империи. Это нужно было для укрепления власти, и это также в ключевой степени повлияло на формирование основных черт Византийского искусства. Живопись теперь была направлена на изображение христианских символов. Сцены имели нравоучительный характер. Иными словами, государство нуждалась в таком искусстве, которое бы воплотило в полной мере основополагающие религиозные положения вероучений, объявленных обязательной и неизменной истиной.

Одним из самых популярных жанров живописи в византийский период античности было изображение святых и библейских сцен, которые были выполнены на различных монументальных и станковых носителях, включая стены, фрески, мозаики, иконы и рукописи. Отличным примером монументальной живописи античной Византии может стать мозаика Мавзолея Галлы Плацидия «Христос – добрый пастырь», датируемая V веком нашей эры.

Знаменитая равеннская мозаика с изображением Христа в образе Доброго Пастыря в идиллическом пасторальном пейзаже среди стада овец размещена в люнете над входом в Мавзолей Галлы Плацидия. Первые христиане зачастую представляли Спасителя именно в этом образе, неоднократно изображая Доброго Пастыря на стенах катакомб и в барельефах саркофагов. Они избрали самое поэтическое сравнение Христа из Евангелия от Иоанна: «Я есмь пастырь добрый: пастырь добрый полагает жизнь свою за овец».

Добрый Пастырь – самое трогательное, самое возвышенное и вместе с тем одно из самых важных и глубоких изображений Христа. Это символ милосердного и любящего Бога, преисполненного заботой о людях и снисхождения к человеческим слабостям и заблуждениям. Теологическая теория происхождения человека утверждает, что человек создан с целью познания и любви к Богу, служения другим людям и духовного совершенствования. Этот образ Христа, как никакой другой, более всего отражал идею античного миропонимания, заключающегося в гармоничном и соразмерном бытовании природы и человека, и отвечал надеждам на рай, как на идеальное место вечной совершенной жизни после воскресения.

В равеннской мозаике из Мавзолея Галлы Плацидия прослеживается влияние нескольких истоков византийского искусства: классической традиции античного римского искусства и христианской, религиозной традиции. Римские традиции заключаются в композиции и относительно правильной передачи пропорций человеческой фигуры, изображенной в сложном ракурсе. Крест становится центром симметрично уравновешенной полностью встроенной в архитектурную форму композиции. В виде овец, пасущихся на лугу, представлен весь род человеческий. Христос, правой рукой нежно ласкающий овечку, отрешен от мира земного. Его взгляд устремлен в мистическую, бесконечную даль. Величественность фигуры Спасителя подчеркивается не только внушительным размером и монументальными формами, но и особой позой с одной ногой выставленной вперед, а другой – отодвинутой назад, вызывающей ассоциации с классическими статуями и живописными изображениями Зевса (Юпитера).

Христианские традиции живописи предстают в этой фреске предельно ясно. Начать можно с символики цвета: золотой цвет хитона и пурпуровый цвет гиматия, наброшенного на одно плечо и спускающегося складками с колен, – цвета, заимствованные из торжественных придворных церемониалов, являются символами царственности Христа, это правила изображений. Несмотря на относительно правильные пропорции фигуры Христа, о чем я сказала, говоря об римских традиция, все же нельзя никак сказать, что это действительно реальные и действительные человеческие пропорции тела. Это все часть художественного языка, потому что задача стояла перед художниками изобразить то, чего мы не можем увидеть. Во всем искусстве, вне зависимости от времени и места его развития, всегда существует 2 традиции: натуроподобие и условность. В натуроподобии задачей для художника всегда стоит необходимость наиболее убедительно передать мощь, грацию, изящество и силу изображаемого объекта. Смысл же условности в искусстве заключается не в представлении жизни в виде реального явления, а лишь в отображении образов. В искусстве Византии была важна условность. По своей сути изобразительное искусство было ближе к тексту, чем к картинке. Это не изображение, как рисунок, который мы видим, это символическое изображение, которое повествует и объясняет зрителям в символической форме основы вероучений. Складки на одеянии Христа тоже изображены не натуроподобно, они не отвечают реальным объемам, потому что их натуроподобное изображение не являлось задачей для художника. Эти вещи были условны. Стоит также отметить выражение лица Доброго пастыря. Оно спокойно, потому что Христос пребывает в вечности. Красота не суетна. Эмоции говорят о конкретных моментах, а лица на фресках говорят о вечности. На лице нет бликов и теней, потому что горний мир наполнен райским свечением. Сама композиция статична, в ней нет перспективных сокращений, нет планов, потому что «всё здесь». Это не конкретное месте и время, а бесконечное пространство. Это горний мир. Мерцание и свечение неровных кубиков смальты создают ощущение глубины пространства. Изображение становится не плоским, а как будто трехмерным, заставляя человека поверить в реальность всей сути увиденного.

Средствами передачи вероучений в Средние века служили не только живописные работы, но и скульптуры, в особенности украшавшие стены храмов и церквей, например, тимпаны.

Тимпаны – это архитектурный элемент, получивший распространение в эпоху Романского искусства. На полукруглых тимпанах над порталами церквей особенно часто изображались сцены Страшного суда, проанализировав которые можно выделить следующие черты:

Первая характерная особенность для этих композиций – это симметрия, где ось композиции совпадает с, как правило, фигурой Христа. Эта фигура крупнее других фигур и является центром композиции. В этом чувствуется влияние искусства Древнего Мира, где таким же каноном было более крупное изображение фигур фараонов – богов – поддерживающих порядок на Земле. Вся композиция разделена на три уровня: в верхней части изображен Христос с ангелами, архангелами, святыми. Он, восседающий на троне, является страшным судьей, карающим и воздающим. Второй уровень – земная жизнь, где изображены реальные живущие праведники и грешники. Справа от Христа изображены праведники с благостными лицами, а слева обнаженные грешники, в экспрессивных, неестественных ракурсах, жаждущие наслаждений в этой земной жизни. Здесь также прослеживается влияние античности на формирование романского стиля в изобразительном искусстве, ведь все эмоции и гримасы – это хаос, а не красота. Спокойные лица праведников, Христа и святых символизируют вечную гармонию и красоту. Фигура в центре (Христос) разделяет праведников и грешников. Внизу уже изображены сцены, последовавшие после страшного суда, где слева от зрителя находятся праведники, получившие воздаяния от Христа, а справа мучающиеся в аду грешники, над которыми издеваются черти, в изображении которых художники давали себе волю под влиянием языческих народных традиций.

Второй характерной особенностью тимпанов служит отсутствие глубины пространства, ведь все фигуры изображены на переднем плане. Все сцены важны для изображения «здесь и сейчас». Изображение несет в себе не изобразительный характер, а выразительный. Отсюда так же и объяснение недостоверных фигур людей и Христа. Искусство было Евангелием для неграмотных, поэтому здесь ценится символизм, а не точность изображения.

Третья особенность - художник заполняет фигурами все пространство тимпана. В этом заключается боязнь пустоты художников того времени. Пустота считалась злом, через которое проникает нечистая сила.

Тимпаны располагались над входом в церковь с западной стороны. Их лицезрели христиане, готовящиеся зайти внутрь. Изображения Страшного суда имели назидательный характер. Идея возмездия и справедливой кары должна была поучать людей. Все это отвечало философии человека Средневековья. Смысл существования человека заключался в подготовке к вечной жизни: грешник ты или праведник, тебе все равно придется в конечном счете предстать перед Богом.

Таким образом, анализируя живопись и скульптуру Византии можно прийти к выводам, что это удивительная эпоха для искусства, полная интересных особенностей. Уникальность живописи и скульптуры Средневековья заключается в их тесном соотношении с религиозными и философскими представлениями того времени. Вот несколько ключевых аспектов, делающих эту форму искусства уникальной:

  1. Религиозность и символизм. Искусство средневековья рисуется тесным соотношением с религиозными воззрениями. Это проявлялось в воспроизведении библейских сюжетов и образов святых. Живопись и скульптура служили средством передачи веры и историй Библии для неграмотных граждан.
  2. Декоративность и символика. В средневековом искусстве большой упор был сделан на декоративность и символику. Искусство этого времени было наполнено символами, имеющими религиозное, философское и культурное значение. Каждый узор, образ или фигура имели свое предназначение и значение.
  3. Использование цветовой гаммы. Живопись и витражи средневековья славились яркой и насыщенной цветовой гаммой. Цвет использовались для создания атмосферы святости и удивительных образов, которые могли очаровывать зрителей.
  4. Строгость форм и утонченность линий. В скульптуре средневековья была заметна строгость форм и утонченность деталей. Скульпторы умело воспроизводили выразительные лица, разные выражения и эмоции.

Список литературы

  1. Ильина, Т.В. История искусства западной Европы. От Античности до наших дней [Электронный ресурс]: учебник для вузов / Т. В. Ильина, М. С. Фомина. – 7-е изд. – М. : Юрайт, 2019. – 330 с.
  2. История мировой живописи [Электронный ресурс] /сост. Н.О. Майорова, Г.К. Скоков. - М.: Белый город, 2009. - 129 с.
  3. Колесов, М.С. Лекции по истории художественной культуры [Электронный ресурс]. - М.: Инфра-М, 2015. - 292 с.
  4. Cокольникова, Н.М. История изобразительного искусства [Текст] : учебник / Н. М. Сокольникова, Е. В. Сокольникова. - 2-е изд. - М. : Академия, 2018. – 304 с.

Поделиться

464

Тригубкина Э. П. Анализ живописи и скульптуры Византии в период античности // Актуальные исследования. 2023. №47 (177). Ч.I.С. 66-68. URL: https://apni.ru/article/7529-analiz-zhivopisi-i-skulpturi-vizantii-v-perio

Похожие статьи

Актуальные исследования

#30 (212)

Прием материалов

20 июля - 26 июля

осталось 6 дней

Размещение PDF-версии журнала

31 июля

Размещение электронной версии статьи

сразу после оплаты

Рассылка печатных экземпляров

13 августа